“比起明亮不如幽暗，比起在地上不如到地中。——地中美术馆是我内心深处这种根深蒂固的感觉最直接的表达”。 ——安藤忠雄 地中美术馆是一个重新思考自然与人之间关系的场所，希望在自然与人工之间寻求一个完美的契合。地中美术馆也因此实现了建筑与自然的无声对话，它们彼此依存、交流、共生。美术馆内，光、水、风的巧妙运用，造就了自然和建筑的融为一体，地中美术馆也成为名副其实的“直岛的灵魂”。
“比起明亮不如幽暗，比起在地上不如到地中。——地中美术馆是我内心深处这种根深蒂固的感觉最直接的表达”。
地中美术馆是一个重新思考自然与人之间关系的场所，希望在自然与人工之间寻求一个完美的契合。地中美术馆也因此实现了建筑与自然的无声对话，它们彼此依存、交流、共生。美术馆内，光、水、风的巧妙运用，造就了自然和建筑的融为一体，地中美术馆也成为名副其实的“直岛的灵魂”。
直岛位于日本香川县的濑户内海北部，是一个风景优美的小岛。20 世纪 80 年代，直岛一直被用作工业废物处理厂，因此受到重金属废物的严重污染。1989年，倍乐生控股（Benesse Holdings）为该岛投资建设文化艺术中心，意图“用人类的双手让被人们破坏的岛屿变得美丽”。为了克服这些问题，人们开始将环境保护和艺术领域相结合的可持续发展努力。直岛现在被描述为已从垃圾岛转变为艺术岛。设计 Benese 集团中心并实施重大可持续发展项目的建筑师安藤忠雄 (Tadao Ando) 是这一转型不可或缺的一部分。
地中美术馆（Chichu Art Museum）在直岛转
变为艺术岛的过程中发挥了重要作用。
2004年，安藤忠雄完成了这座美术馆，为了避免破坏自然景观，博物馆谦卑地隐藏在地下。
为了适应自然环境，安藤实现了他的建筑理念，即不以极端的方式对周围岛屿的山脊线、天际线和地平线施加暴力，使所谓的自然环境和建筑在现场共存。尽管博物馆位于地下，但利用自然设计的天窗和天窗将自然光带入地下空间，使人们感受到自然的变化，如光、风、雨。
地中美术馆共三层，结构分为入口区、两个庭院和位于地下的三个艺术空间。地中美术馆的构图以正方形、长方形和三角形为基础，南北轴线上有两个空隙，可以从山顶看到大海。建筑师试图在简单的几何形式的配置中为游客实现高度复杂和多样化的崇高体验。
安藤手稿
安藤在大地中雕刻出体积，并试图在其中营造出更深的深度感，这不可避免地导致光线减少和气氛增强。控制了穿透黑暗并突出各个空间的光线数量和质量的各个方面，使每个空间都与众不同。博物馆的目的是利用光来引导参观者。通过安藤的建筑语言，博物馆以可持续建筑的形式再现了与恐惧和黑暗的空间以及无限空间相关的崇高体验。
使用混凝土来创造干净的线条和内置装饰。 使用坚固的形式和独特的材料。 这种尝试是创造一个空间，让参观者在完全与外界隔绝的地下体验纯粹的 作品，使他们的感知变得敏感，只专注于艺术品，这是一个大胆的概念。
美术馆的正门在地面，正门连接着一个长长的甬道， 这条路径是一条很深的混凝土走廊，只在侧面的墙体开出一条缝隙进行自然光的采光。 墙壁的特点是故意扭转连接空间的线条，使人无法预测前方的景色。这让参观者体验到无形空间的不确定性。这是一种创造崇高体验的策略，产生一种现象学效果，通过复杂的参观者流动增强了对博物馆的期待，建立在不知道未来会发生什么的恐惧之上。
游客在黑暗中穿过一条狭长的走廊后进入方形庭院。然后环绕方形庭院台阶而上，再通过一条开敞式露天长廊，才到达美术馆真正的主体部分。从入口到艺术空间的迷宫般的运动，让参观者在观看艺术品之前就对未知的空间产生期待感。
室外过道向天空开放，游客可以从地下空间看到天空，直接体验自然光、风、雨、云。这体现在安藤“人、建筑和自然共存”的建筑理念中。因此，黑暗中的博物馆是一个神秘的空间，增强了人们对“前方是什么？”的好奇和期待。因为很难预测会在不知名的地方相遇的空间。
在这个环境中浇筑的混凝土最显着的特征是被称为三角庭院的大庭院墙。环绕花园的12.8m高的巨大三边墙的美丽纹理是安藤建筑的真正精髓。 给这个空间留下深刻印象的是墙壁上的缝隙。这个垂直分隔混凝土体量的开口让光线进入墙外的走廊，这种表达包含了安藤建筑的精髓。
“狭缝是通过切割单个表面而形成的东西。如果在创建狭缝时不牢记这个图像，那将会是失败的。” 换句话说，仅仅有间隙并不会让它看起来像是被切掉的。这是个施工难题。 为了使带有缝隙的墙看起来像“一个表面”，上下框架同时建造。在成品中可以看到安藤先生指定的模板面板的布局，并且设计是模板的线条在顶部和底部连接，以加强表面的印象。
当观察狭缝的横截面时，上壁和下壁的端部（通常称为“环绕”部分）呈锐角铸造。这给人的印象是墙壁被刀切过。如果预拌混凝土未均匀分布到模板的角落，则不会形成此类边缘。
建筑最大的特点是其外部是隐形的。 在无法掌握建筑外部形状的情况下，观众在迷宫般的地下空间中漫步，欣赏詹姆斯·特雷尔、沃尔特·德·玛丽亚和克劳德·莫奈的作品。 安藤先生在这里寻求的是一个不影响观看体验的简单空间。 过突出与安藤建筑同义的裸露混凝土，并最大限度地消除所有其他杂物，创造一种纯粹的形式也是一个挑战。
艺术家作品展馆
莫奈名作《睡莲》系列的展厅是一个“痴迷于白色”的空间，“白色”的标准也融入了不影响观赏体验的考虑。墙壁用灰泥完成，700,000 块大理石块在当地居民的参与下被手工一块一块地放置到地板上。控制色调，将天花板的间接光柔和地扩散到整个房间。
当代艺术大师詹姆斯·特雷尔的作品《开放的天空》为了增强上方天空的印象，开口的边缘尽可能薄，类似于建
筑纸上的切口。通过这个开口可以看到这片天空四季的变化，空间的颜色追随着实际天空的变化而变化。在这里会感受到永恒，以及人工光和自然光优美的融合。
沃尔特·德·玛丽亚 的装置作品“时间/永恒/无时间”，这是一个位于楼梯中间的巨大球体，位于一个10米宽的混凝土艺术空间的中心。混凝土房间里的大型艺术品，在安藤的建筑语言的包围下，提醒着参观者艺术品的空间如何能够扩展他们对艺术体验的感知和愉悦。
詹姆斯·特瑞尔 的“Open Field”艺术空间时，他可以看到一个布满墙壁的屏幕。“开放场”的设计是通过向房间内部规划倾斜的地板部分，使天花板逐渐升高。当参观者爬上楼梯并小心翼翼地走向屏幕时，他们期望撞到的屏幕墙就会变成一个蓝色的空间，他们可以带着不知道前方是什么的恐惧进入其中。
美术馆动线的尽头，是可以尽览濑户湾美景的咖啡馆，咖啡馆外侧是靠近崖体的室外空间，从地下严密的秩序中走出再次感受阳光、海风、蓝天白云的自然魅力，感觉灵魂像重生了一次。
PS：在博物馆入口旁有一个小花园，这个花园是仿照克劳德·莫奈法国诺曼底花园建造的。
